Schlagwort: 1978

🎶 Der heutige Song ist durch die Kunstfreiheit abgedeckt.

Der Song ist eine provokante und bewusst überspitzte Auseinandersetzung mit Vorurteilen gegenüber übergewichtigen Menschen. Der Kontrast zwischen „dünn“ und „dick“ wird deutlich, wenn der Ich-Erzähler wiederholt seine Erleichterung darüber betont, ein „dürrer Hering“ zu sein. Er assoziiert Schlanksein mit Freiheit und stellt das Dicksein als reine „Quälerei“ dar.

Der Text listet nahezu jedes gängige Klischee der damaligen Zeit auf. Dazu gehören körperliche Beschwerden (Atemnot, Schwitzen, Verdauungsprobleme), ästhetische Kritik (Doppelkinn, dicke Beine) sowie soziale Ausgrenzung (fehlende passende Kleidung, Spott durch Mitmenschen).
Es wird behauptet, Dicke hätten es schwer bei der Partnersuche. Als „Ausgleich“ für die mangelnde Attraktivität müssten sie deshalb Karriere machen, da man mit Geld dennoch gefragt sei.

Der Song gipfelt in einer repetitiven Aneinanderreihung des Wortes „Dicke“ und endet mit der drastischen Beleidigung „Na, du fette Sau“. Man muss den Song im Kontext seiner Zeit und als Satire verstehen. Westernhagen nutzt hier das Mittel der totalen Überzeichnung, um der Gesellschaft einen Spiegel vorzuhalten.

Der Sänger nimmt die Rolle eines arroganten, oberflächlichen Charakters ein. Durch die Gehässigkeit des Textes wird weniger das Übergewicht an sich kritisiert, sondern vielmehr die Überheblichkeit und die Vorurteile der „Normalen“ entlarvt. Der Song löste (und löst bis heute) Kontroversen aus. Während die einen den ironischen Unterton und die Kritik an bürgerlichen Vorurteilen loben, kritisieren andere die verletzende Wortwahl und die Bestärkung von Diskriminierung.

Der Song ist eine bissige Karikatur gesellschaftlicher Intoleranz. Durch die radikale Aneinanderreihung von Beleidigungen und Klischees soll die Absurdität dieser Vorurteile aufgezeigt werden.

„Dicke“ von „Marius Müller-Westernhagen„, veröffentlicht am 27.02.1978 auf dem Album „Mit Pfefferminz Bin Ich Dein Prinz“.

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Natur am Abend, stille Stadt. Verknackste Seele, Tränen rennen.

Der Song „Naturträne” von der „Nina Hagen Band”, veröffentlicht am 11. Februar 1978 auf dem gleichnamigen Album, beschreibt einen Moment tiefer, beinah genussvoller Melancholie an einem frühen Abend. Die Ich-Erzählerin beobachtet das Geschehen aus einem offenen Fenster. Dabei vermischen sich urbane Eindrücke mit natürlichen Elementen. Diese Kontraste untermalen die Einsamkeit der Erzählerin.

Die äußere Schönheit der Natur wirkt wie ein Katalysator für ein inneres Gefühlschaos. Es ist eine Form von Weltschmerz, bei der die Seele zwar „weh tut”, dieser Zustand aber gleichzeitig als „schön” empfunden wird. Der Anblick eines Bekannten auf der Straße löst eine zusätzliche Schwere im Herzen aus. Am Ende steht die totale Hingabe an das Gefühl. Die Kombination aus der immer leiser werdenden Stadt und der „verknacksten Seele“ führt zu einem regelrechten Weinkrampf. Dieser wird jedoch nicht als Zusammenbruch dargestellt, sondern als notwendiger, ermüdender Prozess – man „flennt“ einfach weiter, bis die Energie aufgebraucht ist.

Der Text ist eine Momentaufnahme von Einsamkeit und Sehnsucht, die in eine urbane Abendstimmung eingebettet ist. Er zelebriert die Katharsis durch Tränen, die durch die überwältigende Ästhetik eines simplen Sonnenuntergangs ausgelöst werden.

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Wo immer ich mich auch hinwende, verliere ich. | on this day in music

In dem am 03.01.1978 veröffentlichten Song „Love Is Like Oxygen“ von Sweet, der auf dem Album „Level headed“ erschien, wird die Liebe als lebensnotwendige, aber auch gefährliche Naturgewalt dargestellt.

Ohne Liebe fühlt sich das Leben leer an. Zu viel davon wirkt berauschend oder überwältigend.

Die Liebe wird also als eine Substanz gezeichnet, die man zum Überleben braucht, die aber bei falscher Dosierung instabil macht. Während der Refrain eher philosophisch ist, beschreiben die Strophen eine persönliche Krise: Der Protagonist leidet unter Gerüchten, dass sein Gegenüber ihn nicht mehr will. Er fühlt sich isoliert und vom Pech verfolgt. Die Trauer führt zu einem sozialen Rückzug. Er verbringt seine Tage im Bett und streift nachts einsam durch die Stadt, um im Licht der Großstadt unterzutauchen und seinen Schmerz zu verbergen.

Entgegen dem Sprichwort „Die Zeit heilt alle Wunden“ stellt er fest, dass die Zeit ohne die geliebte Person keine Heilung bringt, sondern nur „einsames Fieber“. Der Song beschreibt die Abhängigkeit des Menschen von der Liebe. Er thematisiert das schmerzhafte Paradoxon, dass Liebe einen zwar „beleben” kann, ihr Entzug oder ihr Scheitern jedoch zu tiefer Verzweiflung und emotionaler Instabilität führt.

https://www.deezer.com/en/track/1046374992

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Solange ich weiß, wie man liebt, weiß ich, dass ich am Leben bleiben werde. | Musik

Der am 27.11.1978 veröffentlichte Songtext „I Will Survive” von Gloria Gaynor beschreibt eine emotionale Reise:

Zu Beginn beschreibt das lyrische Ich die völlige Verzweiflung und Angst nach einer Trennung. Es verbrachte viele Nächte damit, über das erlittene Unrecht nachzudenken. Doch aus dieser Trauer erwuchs innere Stärke und die Person lernte, ohne den Partner zurechtzukommen. Plötzlich taucht der Ex-Partner wieder auf und wirkt unglücklich. Das lyrische Ich ärgert sich kurz darüber, das Schloss nicht ausgetauscht zu haben, doch inzwischen ist es eine gefestigte Persönlichkeit. Es erkennt, dass der Ex-Partner erwartet hat, es noch immer zerbrechlich und wartend vorzufinden.

Das lyrische Ich weist den Ex-Partner entschieden zurück. Es fordert ihn auf zu gehen, da er nicht mehr willkommen ist. Die Person macht klar, dass sie nicht mehr das „angekettete kleine Wesen“ von früher ist, sondern jemand Neues, der den Kopf hochhält und seine Liebe für jemanden aufspart, der sie wirklich wertschätzt.

Der Song ist eine Hymne auf Resilienz und Selbstermächtigung. Er beschreibt den Wandel vom passiven Opfer, das glaubte, ohne den anderen nicht leben zu können, hin zum aktiven, selbstbewussten Akteur. Es ist die Erkenntnis, dass das eigene Leben und die Fähigkeit zu lieben nicht von diesem einen Partner abhängen. Solange man weiß, wie man liebt, wird man am Leben bleiben und eine Zukunft haben.

https://www.deezer.com/en/track/1166507

https://music.apple.com/de/song/i-will-survive-extended-version/1475169112

Heute Nacht werde ich mich richtig amüsieren. Ich fühle mich lebendig.

Der am 10. November 1978 veröffentlichte Song „Don’t Stop Me Now” von Queen drückt ein überschwängliches Gefühl von Freude, Energie und ungezügelter Lebenslust aus. Die Hauptbotschaft ist, dass der Interpret eine fantastische Zeit erlebt und absolut nicht gestoppt werden will.

Der Text verwendet eine Fülle dynamischer und übermenschlicher Metaphern, um diesen Zustand zu beschreiben. Er ist eine Sternschnuppe, die der Schwerkraft trotzt. Er ist ein „Rennwagen”. Er nennt sich „Mister Fahrenheit”, der mit „200 Degrees” brennt und mit Lichtgeschwindigkeit reist. Er ist ein Raketenschiff auf dem Weg zum Mars und eine Atombombe, die kurz vor der Explosion steht.

All diese Bilder vermitteln ein Gefühl von grenzenloser Kraft, Geschwindigkeit und Intensität. Es ist eine Aufforderung, sich völlig treiben zu lassen, die Kontrolle zu verlieren und die Ekstase des Augenblicks zu genießen. Dabei animiert er andere, an diesem „supersonic“ Erlebnis teilzuhaben.

Doch die Trommelschläge der Nacht bleiben im Rhythmus des neugeborenen Tages.

–27.10.1978– | track: –Year Of The Cat– | artist: –Al Stewart– | album: -Time Passages Live-

Der Songtext „Year of the Cat” von Al Stewart erzählt die Geschichte einer unvorhergesehenen, mysteriösen Begegnung mit einer Frau, die das Leben des Protagonisten augenblicklich verändert.

Die Szenerie wird zunächst filmisch und zeitlos beschrieben („Bogart movie“, „turn back time“), wodurch eine Atmosphäre von Intrige und Geheimnis entsteht. Die Frau erscheint plötzlich und unerklärlich („she comes out of the sun“, „she’s running like a watercolor in the rain“) und übernimmt sofort die Führung in der Begegnung. Sie gibt keine Erklärungen, sondern zieht den Protagonisten in ihren Bann, sodass er jegliches Zeit- und Richtungsgefühl verliert.

Die wiederholte Phrase „In the Year of the Cat” dient dabei als magischer, nicht näher definierter Zeitrahmen oder als metaphorischer Ort außerhalb der gewöhnlichen Realität. Die Frau wird als verführerisch und geheimnisvoll dargestellt („eyes shine like the moon“, „incense and patchouli“).

Am Ende des Songs wird deutlich, dass der Protagonist seine eigentlichen Pläne aufgegeben hat („thrown away your choice and lost your ticket“) und beschließt zu bleiben, obwohl er weiß, dass die Beziehung vergänglich sein wird („sometime you’re bound to leave her“). Er ist der Faszination und dem Rhythmus des Augenblicks erlegen, der in diesem mystischen „Jahr der Katze” liegt.

Zusammenfassend handelt der Song von der Anziehungskraft des Unbekannten, dem Verlust der Kontrolle und dem Eintauchen in eine spontane, fast surreale Romanze, die durch das Auftauchen einer rätselhaften Frau ausgelöst wird.