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📷 24.04.2019
Schlagwort: 2019
📷 19.04.2019
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🎶 Bittersüßer Rauch: Wenn die Liebe wie eine Zigarette brennt.
In diesem Song wird die schmerzliche Nostalgie einer vergangenen Liebe durch die Metapher einer brennenden Zigarette dargestellt.
Der Interpret identifiziert sich dabei mit der Zigarette, die vom geliebten Gegenüber konsumiert wird. Dies symbolisiert eine tiefe Intimität und gleichzeitig Zerstörung.
Während der Rauch Erinnerungen an glücklichere Zeiten weckt, verdeutlichen die Zeilen die gefährliche Natur dieser „bittersüßen” Abhängigkeit. Das Gefühl, lebendig zu sein, ist hier untrennbar mit dem Wissen verbunden, dass diese Leidenschaft dem Partner letztlich schadet.
Am Ende bleibt ein Kreislauf aus Sehnsucht und Verfall, in dem der Moment des Inhalierens den einzigen flüchtigen Trost bietet.
„Smoke“ von „Jay-Jay Johanson„, veröffentlicht am 19.04.2019 auf dem Album „Kings Cross“.
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🎶 Ich rauche die „Zigarette danach” schon davor, und die in der Waschmaschine kreisenden Socken sind sich näher als wir. Wir waren ein Team, doch dieses Team ist nicht intim.
Der Song beschreibt auf melancholische und leicht ironische Weise, wie die Leidenschaft in einer langjährigen Beziehung einschläft. Er thematisiert den schmerzhaften Übergang von der stürmischen Verliebtheit der Anfangszeit zu einem distanzierten Alltag. Der Text nutzt die Metapher des Fernsehens, um diesen Wandel zu verdeutlichen. War die Beziehung früher wie ein packender Film, für den man keine Zeit verschwenden wollte, so ist sie nun zu einer vorhersehbaren, „braven” Routine geworden.
Obwohl das Paar als „Team“ funktioniert – es frühstückt gemeinsam, telefoniert mit der Familie – fehlt die körperliche und emotionale Intimität. Die Erzählerin fühlt sich isoliert, was durch die „Zigarette danach“ symbolisiert wird, die sie bereits davor raucht, da es gar nicht erst zum Sex kommt. Es wird angesprochen, dass das Umfeld diesen Zustand nach drei Jahren als „normal“ und „fürsorglich“ bezeichnet. Die Erzählerin empfindet diese Harmonie hingegen eher als Stillstand und Erschöpfung.
Besonders eindrücklich ist das Bild der Socken in der Waschmaschine, die sich physisch näher sind als die beiden Partner im selben Raum. Der Song ist eine Bestandsaufnahme einer Beziehung, die zwar noch existiert, aber ihren Kern, die Leidenschaft und echte Nähe, verloren hat. Er stellt die unbeantwortete Frage, ob dies nur eine Phase ist oder bereits das Ende.
„Belmondo – Große Liebe“ von „Annett Louisan„, veröffentlicht am 29.03.2019 auf dem Album „Kleine große Liebe“.
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🎶 Wenn das Gute im Inneren stirbt. Über den Schmerz des Selbstverlusts.
Der Song beschreibt einen intensiven, schmerzhaften inneren Kampf gegen die dunkle Seite der eigenen Persönlichkeit. Zentrales Motiv ist das „Monster“ – eine Metapher für destruktive Impulse, psychische Belastungen oder Sucht, die den Erzähler von innen heraus aufzehren. Der Text spricht von einem „schwarzen, toten Verlangen“, sich im eigenen Feuer zu verbrennen. Es wird ein zwanghafter Drang beschrieben, immer weiterzugehen, selbst wenn dies den eigenen Ruin bedeutet.
Die Dunkelheit wird als eine Kraft dargestellt, die das „Gute“ im Inneren auffrisst. Der Erzähler fühlt sich emotional taub und entfremdet von seinem eigenen Kern. Besonders düster ist die Stelle, an der von dem „Einfangen eines anderen Tänzers“ die Rede ist. Dies deutet darauf hin, dass die innere Dunkelheit nicht nur den Erzähler selbst betrifft, sondern auch dazu führt, andere Menschen in das eigene Chaos hineinzuziehen oder zu manipulieren.
Es gibt einen verzweifelten Versuch, die „Dämonen zu töten“ oder die „Quelle des Krebsgeschwürs“ zu finden. Der Song endet in einem fast flehenden Ton: Das Monster soll den Erzähler verlassen oder er soll endlich ausbrechen, um den Zustand der Gefangenschaft zu beenden. Insgesamt ist der Song ein Porträt von Selbsthass und Hilflosigkeit. Er beschreibt das Gefühl, ein Gefangener im eigenen Körper zu sein, während eine dunkle, unkontrollierbare Macht (das „Monster“) langsam die Kontrolle übernimmt und alles Schöne zerstört.
„Monster in Me“ von „Krissy Matthews„, veröffentlicht am 22.03.2019 auf dem Album „Monster in Me“.
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🎶 Immer soll die Sonne scheinen. Gardez-nous le soleil! May there always be sunshine. Пусть всегда будет солнце.
Der Songtext erzählt eindrucksvoll die Geschichte davon, wie aus einem einfachen, kindlichen Wunsch eine weltweite Hymne für den Frieden wurde. Alles beginnt mit einem kleinen Jungen in Moskau, der ein Bild malt. Seine schlichten Worte, in denen er sich nach Sonne, blauem Himmel, seiner Mutter und Geborgenheit sehnt, bilden das Herzstück. Die Tatsache, dass sein Vater im Krieg gefallen ist, verleiht seinen Worten eine tiefe, beinah schmerzhafte Sehnsucht nach Frieden und Beständigkeit.
Der Text beschreibt den Weg dieses Liedes durch verschiedene Länder und Sprachen. In Frankreich wurde es von Yvonne und Madeleine gesungen. In den USA griff der berühmte Folkmusiker Pete Seeger das Lied auf, um gegen den Vietnamkrieg zu protestieren. Das Lied verbindet Menschen über Grenzen und politische Ideologien hinweg – in Moskau, den USA, Frankreich und Deutschland. Obwohl es in verschiedenen Sprachen gesungen wird (Deutsch, Französisch, Englisch, Russisch), bleibt die Aussage immer gleich: die Sehnsucht nach einer Welt ohne Krieg. Die einfachen Zeilen symbolisieren das Recht jedes Kindes auf eine sichere Zukunft und eine unversehrte Familie. Es zeigt, dass Musik die Kraft hat, die kleinsten Wünsche eines Einzelnen in eine kraftvolle Botschaft für die gesamte Menschheit zu verwandeln.
Das Lied stammt ursprünglich aus der Sowjetunion (Pust wsegda budet solnze) und wurde 1962 weltbekannt.
„Der Friedensmaler“ von „Max Mutzke„, veröffentlicht am 15.03.2019 als Single.
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🎶 Die Tränen der Vögel.
instrumental/vocal
„Bird’s Teardrops (Live)“ von „Estas Tonne, Peia„, veröffentlicht am 05.03.2019 als Single.
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Als die Dämmerung über uns hereinbricht, kündigt sich der letzte Vorhang an.
Der Song ist ein intensiver Mix aus Melancholie, Verzweiflung und einem nahezu aggressiven Vorwärtsdrang. Er beschreibt den Kampf gegen die eigene Lähmung in einer Welt, die sich gnadenlos weiterdreht. Im Text wird mehrfach betont, dass die Zeit keine Rücksicht auf Gefühle nimmt. Egal, wie oft man weint, der „graue Himmel” oder der Morgen kommen trotzdem. Ein Verharren im Schmerz ist nicht möglich, da die Welt einen zur Bewegung zwingt. Die Zeile „Dass es keinen Regen gibt, der nicht irgendwann aufhört“ wird hier beinahe zynisch als Floskel abgetan, denn der Fokus liegt nicht auf Trost, sondern auf der harten Realität.
Metaphern wie das „luxuriöse Kreuzfahrtschiff ohne Kapitän“, das in Träumen versinkt, beschreiben ein Leben oder einen Plan, die völlig außer Kontrolle geraten sind. Das „perfekte Szenario“ ist kollabiert. Es herrscht ein Gefühl von Isolation und Verlust, von Getrenntsein in der Dunkelheit. Die radikal einfache Lösung, die der Song anbietet, ist die Flucht nach vorne.
Man muss „mit voller Geschwindigkeit“ rennen, um der Traurigkeit und der Welt zu entkommen. Der „Countdown“, um das „Jetzt“ zu töten oder zu zerstören, symbolisiert einen radikalen Neuanfang. Es geht darum, das alte, leidende Ich hinter sich zu lassen.
Der Song nutzt starke, beinah nihilistische Bilder. Die Darstellung des Sonnenuntergangs als Zeichen des Todes zeigt eine tiefe innere Dunkelheit. Die Welt wird als unbarmherzig wahrgenommen und das Licht der Sonne beinahe als störend empfunden.
Der Song ist ein Appell zur Selbstüberwindung. Er erkennt den tiefen Schmerz und das Scheitern an, fordert aber dazu auf, die „Fesseln” zu sprengen und die Dunkelheit durch schiere Geschwindigkeit und Entschlossenheit zu durchbrechen. Es ist weniger eine hoffnungsvolle Hymne als ein verzweifelter, kraftvoller Ausbruchsversuch. Wenn alles zusammenbricht und man in Trauer versinkt, bleibt nur eines: schneller zu sein als der Schmerz und sich radikal in die Zukunft zu katapultieren.
„カウントダウン / Countdown“ von „MUCC„, veröffentlicht am 13.02.2019 auf dem Album „壊れたピアノとリビングデッド / Kowareta piano to living dead“.
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10.02.2019
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Zwischen diesen Händen ist eine Stille.
Der am 08.02.2019 auf dem Album „Music Inspired by the Film Roma” veröffentlichte Song „Between These Hands” von Asaf Avidan ist eine dichte, poetische Auseinandersetzung mit Verlust, Trauer und der erdrückenden Leere, die der Tod eines geliebten Menschen hinterlässt. Die Metapher „Zwischen diesen Händen” fungiert dabei als roter Faden für das, was vom Leben übrig bleibt, wenn die Person verschwunden ist.
Der Text beschreibt Stille und Dunkelheit nicht als Nichts, sondern als etwas Greifbares und Paradoxes. Die Stille wird beispielsweise als „laut wie ein Baby, das ohne Atem geboren wurde“ beschrieben – ein extrem kraftvolles Bild für einen Schmerz, der so präsent ist, dass er fast physischen Raum einnimmt. Die Dunkelheit nimmt den Platz der vermissten Person ein. In der zweiten Strophe wechselt die Perspektive zu einem Bild des Abflugs oder der Distanzierung. Der Blick von oben auf einen Körper oder eine Brücke symbolisiert die Trennung zwischen den Lebenden und den „Fortgegangenen“. Es beschreibt den Moment, in dem man beginnt, das Geschehene aus einer fast surrealen, distanzierten Perspektive zu betrachten.
Das Bild der „Bibel, die nie geschrieben, aber bereits verbrannt wurde“, deutet auf eine tiefe existenzielle Erschütterung hin. Es suggeriert: Eine Geschichte, die nicht zu Ende erzählt werden konnte. Einen Glauben oder eine Hoffnung, die zerstört wurde, bevor sie Trost spenden konnte. Es vermittelt die Endgültigkeit und Sinnlosigkeit, die oft im Angesicht des Todes empfunden werden.
Der Song fängt das Gefühl ein, etwas festzuhalten, das nicht mehr da ist. Er handelt von der schweren Last des Nichts und der Suche nach Worten für ein Ereignis, das jede herkömmliche „Heilsgeschichte“ sprengt.
https://link.deezer.com/s/32nbyKoGpRw4sbaVcfHwd
https://music.apple.com/gb/song/between-these-hands/1450305851
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