on this day in music – Seite 3 – Rückzug ins Private (vormals Krise? Welche Krise?)

Stimmen Dinge Wunden Feuer

Der am 17.01.2005 auf dem Album „Pure Vernunft darf niemals siegen“ veröffentlichte Song „Ich habe Stimmen gehört“ von Tocotronic beschreibt die tiefgreifende, fast schon spirituelle Transformationsreise eines Individuums, das die Grenzen der normalen Wahrnehmung überschreitet. Der Protagonist hat die „Schwelle zur Unendlichkeit“ überschritten. Er beschreibt Erlebnisse, die jenseits der weltlichen Vorstellungskraft liegen, die sowohl von überwältigender Schönheit als auch von tiefer Dunkelheit geprägt sind. Anfangs fühlt er sich passiv wie „Treibholz der Zeit“, getrieben von Kräften, die größer sind als er selbst.

Der Text verdeutlicht eine tiefe Entfremdung von der Realität. Der Anblick der Welt und ihrer „Wunden” wirkt verstörend. Es wird suggeriert, dass man in dieser Welt nur durch Anpassung oder Verstellung bestehen oder frei werden kann. Dabei wird die Dunkelheit nicht nur als bedrohlich, sondern als beständiger Teil der Existenz akzeptiert.

Gegen Ende wandelt sich die Stimmung von Passivität zu Entschlossenheit: Das Feuer symbolisiert eine radikale Veränderung oder Reinigung. Der Prozess der Transformation führt dazu, dass die Angst verschwindet. Der Text endet mit einem Aufbruch. Der Protagonist ist bereit, seine aktuelle Existenzebene zu verlassen und sich auf den Weg zu einem neuen, unbekannten Ziel zu machen.

Der Text lässt sich als Metapher für einen Sterbeprozess, eine spirituelle Erleuchtung oder einen radikalen psychischen Umbruch deuten. Es geht um das Loslassen der alten Welt und die Vorbereitung auf einen neuen Zustand der Freiheit.

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Du machst mich wahnsinnig, weißt du?

Der am 15.01.2006 auf dem Original Soundtrack zu dem Film Tsotsi veröffentlichte Song „Mdlwembe” von Zola ist ein energischer und konfrontativer Track, der tief in der Township-Kultur verwurzelt ist. Er ist inisiZulu verfasst und mit südafrikanischem Straßenslang wie Tsotsitaal angereichert. Zola stammt aus Soweto.

Der Text beginnt mit einer direkten Warnung an ein Gegenüber: „Mach mich nicht verrückt“ oder „Reiz mich nicht“. Der Sprecher macht deutlich, dass er sich wehren wird, wenn er provoziert wird. Es herrscht eine Atmosphäre von Dominanz und Straßenschärfe. Ein wiederkehrendes Motiv ist der Satz „Wisse immer, dass die Männer niemals ausgehen“. Dies lässt sich zweifach deuten: Einerseits ist es eine Warnung, dass man nicht der Einzige ist, der hart ist, sondern dass es immer jemanden gibt, der nachkommt. Andererseits betont er eine unerschütterliche, kollektive männliche Präsenz oder Stärke.

Der Text nutzt dramatische Bilder, um die Konsequenzen von Konflikten aufzuzeigen: „Ein starker Mann wird sterben und Witwen werden zurückbleiben.“ Dies ist ein klassisches Zulu-Sprichwort, das die bittere Realität von Gewalt und einem riskanten Lebensstil beschreibt. Mit der Erwähnung der „Jungs aus Zola“ wird der Stolz auf die Herkunft aus einem Viertel unterstrichen, das in Südafrika für seine Härte bekannt ist.

Am Ende des Liedes findet sich eine philosophische Note: „Die Schätze dieser Welt werden in den Gräbern zurückbleiben.“ Dies ist eine Erinnerung daran, dass materieller Reichtum oder Status am Ende keine Bedeutung haben, wenn man stirbt.

Der Song ist eine Mischung aus Selbstbehauptung, einer Warnung an Rivalen und einer Reflexion über das harte Leben in den Townships. Er feiert die eigene Zähigkeit, warnt aber gleichzeitig vor den tödlichen Konsequenzen von Stolz und Gewalt.

https://www.deezer.com/en/album/183758252

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vergessen, verflossen, verloren, vorbei

Der am 14.01.2011 auf dem Album „Die Mathematik der Anna Depenbusch” veröffentlichte Song „Tanz mit mir (Haifischbarpolka)” von Anna Depenbusch beschreibt den schmerzhaften Prozess einer Trennung, der von anfänglicher Melancholie über die Entdeckung eines Vertrauensbruchs bis hin zur wütenden Loslösung führt. Am Anfang stehen Stille und das Bewusstsein, dass die Beziehung am Ende ist. Es besteht der Wunsch, einen letzten Moment der Illusion aufrechtzuerhalten. Ein letzter Tanz, bei dem man so tut, als sei man noch verliebt, bevor die Realität die schönen Erinnerungen einholt.

Der Text wechselt dann in die Perspektive einer Wartenden. Die Protagonistin hat sehnsüchtig am Pier auf ihren „Matrosen” gewartet und Erinnerungsstücke aufbewahrt. Doch die Heimkehr bringt kein Happy End: Der Seemann kehrt zwar zurück, hat aber nun eine andere Frau im Arm – ausgerechnet die eigene Schwester der Protagonistin. Mit der Aufdeckung dieses doppelten Verrats schlägt die Stimmung radikal um.

Die Trauer verwandelt sich in Zorn und Verachtung. Die Protagonistin schickt den Matrosen „zur Hölle“. Sie weigert sich, weitere Tränen zu vergießen. Sie entzaubert das romantische Bild des Seemanns und erkennt, dass sie eigentlich nur die Sehnsucht nach dem Meer geliebt hat, nicht den Mann selbst.

Der Song thematisiert das Ende einer Liebe durch Untreue. Er beschreibt die Entwicklung von der verzweifelten Sehnsucht hin zur bitteren Erkenntnis, dass der geliebte Mensch den Schmerz nicht wert ist.

https://link.deezer.com/s/329aGAs0A2m2Bp8OsxlWe

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Was auch immer geschehen mag, verrate meine Geschichte nicht.

Der am 13. Januar 2020 als Single veröffentlichte Song „Dulcea Si Tandra Mea Fiara” von Catalina Cara ist eine leidenschaftliche Liebeserklärung, die von tiefer Sehnsucht, Intimität und dem Wunsch nach einer gemeinsamen Flucht aus der Realität erzählt. Die Ich-Erzählerin beschreibt ihren geliebten Menschen wie ein selbst geschriebenes Gedicht. Dies deutet darauf hin, dass sie die Beziehung mit viel Hingabe „gestaltet“ hat und ihren Partner bis ins kleinste Detail kennenlernen möchte. Ein Kuss ist für sie nicht nur eine Geste, sondern ein Weg, die Seele des anderen zu „erhören“.

Es gibt ein starkes Motiv des Entfliehens. Die Protagonistin möchte an einen Ort reisen, an dem es kein „Heute“ und kein „Morgen“ gibt, um einen Zustand jenseits der Zeit zu erreichen. Das Universum und der „Flug“ dienen hier als Metaphern für grenzenlose Freiheit, die nur das Paar gemeinsam erleben kann. Ein zentrales Element ist der Kontrast in der Beschreibung des Partners. Er wird als „fiara mea tandra“ bezeichnet. Das impliziert eine Mischung aus:

– eine ungezähmte, kraftvolle Anziehung. Eine sanfte, beschützende Liebe. Die Erzählerin beschreibt, wie sie in seinem Blick „dahinschmilzt“ und jede Berührung intensiv genießt.

Im letzten Teil bittet sie darum, ihre gemeinsame „Geschichte” nicht zu verraten. Die Liebe wird als ein „verrückter Walzer“ auf den Wolken dargestellt – ein Bild für eine ekstatische, vielleicht etwas riskante, aber wunderschöne Verbundenheit. Der Song feiert eine alles verzehrende Liebe, die den Alltag hinter sich lässt. Er beschreibt das Gefühl, im anderen völlig aufzugehen und gemeinsam in eine eigene, zeitlose Welt abzuheben.

https://link.deezer.com/s/328oJpcOnUyvV4SHAUiPA

https://music.apple.com/de/album/dulcea-si-tandra-mea-fiara-single/1619334629

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Wir haben unseren Kindern nur verbrannten Müll hinterlassen. Wir haben uns zu wenig um irgendetwas gekümmert. | on this day in music

Der am 12.01.2024 als Single veröffentlichte Song „Vittu minä kuolen tänne” von Antti Autio ist ein intensiver, roher und zutiefst existenzieller Ausdruck von Vergänglichkeit, Bindungsangst und dem verzweifelten Wunsch nach echter menschlicher Nähe. Das lyrische Ich ist sich seiner Sterblichkeit schmerzhaft bewusst. Die Metapher der „Fliege auf dem Schnee” verdeutlicht die Bedeutungslosigkeit und Kürze des menschlichen Daseins im Vergleich zur Ewigkeit des Todes. Das Leben wird darin als flüchtiger Moment, als kurzer Atemzug oder Blitzschlag beschrieben.

Aus dieser Angst vor der Vergänglichkeit entsteht ein radikaler Anspruch an die Liebe. Das lyrische Ich fordert absolute Präsenz: Es möchte nicht wie „Luft” behandelt oder nur als Notlösung benutzt werden. Es verlangt nach einer Umarmung, die „Spuren hinterlässt“, und nach einer Liebe, die den Schmerz und die Leere ausfüllt. Es gibt eine tiefe Angst vor dem Verlassenwerden.

Der Text deutet auf eine instabile Psyche und vergangene Verletzungen hin. Die Rede ist von „zerbrochenen Maßstäben aus der Kindheit“ und „Wunden“. Das lyrische Ich beschreibt sich selbst als gefährlich wie Feuer, das die Haut verbrennt, und als jemanden, der ständig auf der Flucht ist, bis der Sauerstoff ausgeht. Gegen Ende weitet sich die Perspektive von „Ich“ auf „Wir“ aus. Es wird ein düsteres Bild der Menschheit gezeichnet.

Wir haben uns nicht um die wesentlichen Dinge gekümmert. Wir haben die „Lebensfäden an den Wurzeln verbrannt“. Den Kindern wird nur „verbrannter Müll“ hinterlassen. Es überwiegt das Gefühl, dass die Menschheit es nicht verdient hat, weiter zu existieren, weil sie zu gleichgültig war.

Der Song ist ein emotionaler Ausbruch, der die Sinnlosigkeit des Lebens mit der brennenden Notwendigkeit paart, im Hier und Jetzt von einem anderen Menschen gerettet oder zumindest „gehalten” zu werden, bevor alles zu Asche wird.

https://www.deezer.com/en/album/520987702

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Am Himmel breiten sich deine Blüten in voller Blüte unendlich aus. Möge ein Regen aus leuchtenden Sternen auf die Welt herabfallen! | on this day in music

Der am 11.01.2022 auf dem Album „Best live CDs from TOUR 惡-The brightness world / Best live CDs from TOUR Aku-The brightness world” veröffentlichte Song „スピカ – Spica” von MUCC beschreibt eine tief emotionale Szene des Abschieds, der Trauer und der Hoffnung. Es geht um den schmerzhaften Verlust eines geliebten Menschen und den anschließenden Prozess des Loslassens. Der Text beginnt mit einer düsteren Stimmung: Der Morgen bricht an, doch für das lyrische Ich fühlt es sich wie das Ende von allem an. Es herrscht große Verzweiflung, die die Orientierungslosigkeit nach einem schweren Schicksalsschlag symbolisiert.

Ein zentrales Motiv ist das Zulassen von Gefühlen. Die wiederkehrende Zeile „Es ist okay, zu weinen, bis die Tränen versiegen” bietet einen sicheren Raum für die Trauer. Der Begriff „Okaeri“ (Willkommen zu Hause) deutet darauf hin, dass die Erinnerung an die Person oder der Platz, den sie im Herzen einnimmt, unveränderlich bleibt. Gegen Ende wandelt sich die Bildsprache von dunklen, „stumpfen” Farben zu einem leuchtenden Sternenhimmel. Der Schmerz wird zu einer „Hymne der Traurigkeit“ veredelt. Die Metaphern verändern sich:

Sterne repräsentieren die Verbindung zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Blumen am Himmel sind ein Bild für die bleibende Schönheit der verstorbenen oder vermissten Person.

Der Song ist eine sanfte Umarmung für Trauernde. Er vermittelt, dass der Schmerz zwar tief sitzt, die Verbindung zur geliebten Person aber über den Abschied hinaus in einer neuen, leuchtenden Form – wie Sterne oder Blumen am Himmel – bestehen bleibt.

https://link.deezer.com/s/327qXzfBKhaETB1bKGfzp

https://music.apple.com/de/song/スピカ-2021-09-23-中野サンプラザホール-live/1598516035

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