on this day in music – Seite 2 – Rückzug ins Private (rueckzuginsprivate.de)

Ja, ich habe meinen kalten Blick darauf gerichtet. Und ich habe nie nein gesagt.

Der am 23.01.1996 veröffentlichte Song „Cold Eye“ von The Walkabouts, der auf dem Album „Devil’s Road“ zu finden ist, beschreibt eine Atmosphäre der Erschöpfung, professionellen Ausdauer und distanzierter Selbstreflexion. Der Text vermittelt ein starkes Gefühl von körperlicher und mentaler Erschöpfung. Metaphern wie das „Schleifen der Knochen“ von Sonnenaufgang bis zur Cocktailstunde verdeutlichen eine mühsame, fast schon auszehrende Routine. Der Protagonist hat „viele Städte angemalt“, was auf eine lange Reise oder eine produktive, aber anstrengende Karriere hindeutet.

Die wiederkehrende Phrase „When I put my cold eye to it” beschreibt eine Form der objektiven, beinah gefühllosen Betrachtung. Es geht darum, die Dinge (oder sich selbst) ohne Illusionen und mit einer gewissen emotionalen Distanz zu analysieren. Trotz der Härte der Realität betont das lyrische Ich, „nie Nein gesagt“ zu haben – ein Zeichen für eine unnachgiebige, vielleicht sogar zwanghafte Hingabe. Der Text deutet eine Distanz zu anderen Menschen an, die nur hinterherlaufen oder „gebrauchte Pläne“ stehlen. Die Freunde sind überrascht, dass es dem Protagonisten überhaupt noch wichtig ist. Dies suggeriert, dass der Protagonist seinen Weg trotz der Kopisten und des Unverständnisses seines Umfelds einsam weitergeht.

Die Erwähnung des „Bettelnapfes“ und des „Giftglases“ zeigt, dass er auch in prekären oder toxischen Situationen nach Erkenntnissen sucht. Anstatt auf Glück zu hoffen, „macht“ er sein Glück selbst, erkennt aber gleichzeitig die Zerbrechlichkeit dieses Zustands an. Der Song handelt vom Weitermachen in einer erschöpfenden Welt. Er ist das Porträt von jemandem, der trotz Müdigkeit und Zynismus nicht aufhören kann (oder will), die Welt mit einem nüchternen, „kalten“ Blick zu betrachten und seine Arbeit konsequent durchzuziehen.

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Er erzählte mein ganzes Leben mit seinen Worten.

Der am 22. Januar 1973 auf dem Album „Killing Me Softly“ veröffentlichte Song „Killing Me Softly With His Song“ von Roberta Flack beschreibt die zutiefst bewegende Begegnung einer Zuhörerin mit der Musik eines Fremden. Die Ich-Erzählerin besucht einen Auftritt eines jungen Musikers, von dem sie zuvor nur gehört hat. Sobald er zu spielen beginnt, hat sie das Gefühl, dass er ihre intimsten Erlebnisse und Schmerzen besingt. Es entsteht eine paradoxe Situation: Obwohl der Sänger ein Fremder ist, scheinen seine Worte direkt aus ihrer Seele zu kommen. Die Texte des Musikers sind so treffend, dass sich die Erzählerin verwundbar und fast schon bloßgestellt fühlt. Sie beschreibt es so, als hätte er „ihre Briefe gefunden und laut vorgelesen”. Diese tiefe emotionale Resonanz löst in ihr Scham und zugleich Bewunderung aus.

Der Titel ist eine Metapher für die bittersüße Erfahrung, von Kunst tief berührt zu werden. Der Schmerz, mit den eigenen dunklen Gefühlen und der eigenen Vergangenheit konfrontiert zu werden. Die sanfte, beinah meditative Art, wie die Musik diesen Schmerz hervorruft und zugleich heilt.

Ein interessanter Aspekt ist die Einseitigkeit der Beziehung. Während sie das Gefühl hat, der Musiker kenne ihre gesamte Lebensgeschichte, nimmt er sie gar nicht wahr. Dies unterstreicht die universelle Kraft der Musik: Ein Künstler kann die Wahrheit eines Menschen aussprechen, ohne ihn persönlich zu kennen.

Zusammenfassend handelt der Song von der universellen Kraft der Kunst, die das Unsagbare ausdrücken kann und uns das Gefühl gibt, in unserem Schmerz verstanden zu werden.

https://www.deezer.com/en/track/14615242

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Wer verliebt ist, hat keine Wahl

Der am 21.01.1993 veröffentlichte Song „Du hast die Wahl” von Element of Crime, der auf dem Album „Weißes Papier” zu finden ist, beschreibt auf humorvolle, aber auch obsessive Weise das verzweifelte Bestreben einer Person, den Sommer nicht allein verbringen zu müssen. Der Protagonist setzt alles auf eine Karte, um die Aufmerksamkeit oder Zusage einer geliebten Person zu erlangen. Dabei schreckt er auch vor drastischen Mitteln und „emotionaler Erpressung” nicht zurück (Warten an den Gleisen, ein Duell am Pool). Die Grenzen zwischen Romantik und Wahnsinn sind hier fließend.

Trotz der dramatischen Drohungen schwingt viel Ironie mit. So wird beispielsweise ein „Showdown” im Nichtschwimmerbecken angekündigt – ein Ort, der für eine lebensgefährliche Aktion denkbar ungeeignet ist. Dadurch wird die Schwere der Situation gebrochen und die Tollpatschigkeit des Verliebtseins gezeigt. Das treibende Motiv ist die Abneigung gegen einen „öden“ Sommer allein. Um den Sommer zu zweit zu verbringen, nimmt der Protagonist in Kauf, dass sein Verhalten später „peinlich“ sein könnte oder er sich lächerlich macht.

Während der Protagonist der anderen Person immer wieder sagt: „Du hast die Wahl”, stellt er im letzten Vers fest, dass er als Verliebter eigentlich keine Wahl hat – er ist seinem Gefühl und seinem Drang, die Person zu erobern, ausgeliefert. Der Text ist ein ironisches Porträt übertriebener Verliebtheit. Er zeigt, wie die Angst vor Einsamkeit jemanden dazu treiben kann, sich mit einer Mischung aus Hartnäckigkeit, Größenwahn und charmantem Unsinn um einen anderen Menschen zu bemühen.

https://www.deezer.com/de/track/2544698

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Heute ist so ein Tag, an dem ich mit dem einverstanden bin, was irgendwann sein kann, und mit allem, was war.

Der am 20.01.2012 auf dem Album „Erste Liebe / Letzter Tanz” veröffentlichte Song „Einverstanden” von Felix Meyer beschreibt einen Moment tiefer innerer Ruhe und Akzeptanz. Er thematisiert das Gefühl, ganz im Hier und Jetzt zu sein, und die Versöhnung mit der eigenen Biografie sowie der Ungewissheit der Zukunft. Der Song beginnt mit einem ruhigen, morgendlichen Szenario am Meer. Diese friedliche Umgebung dient als Kulisse für einen Zustand der Achtsamkeit. Der Protagonist beobachtet die Welt „mit geschlossenen Augen“, was auf eine starke Verinnerlichung und emotionale Klarheit hindeutet.

Ein zentrales Motiv ist das „Einverständnis“. Der Text drückt eine tiefe Akzeptanz für die Vergangenheit aus: Alles, was war, wird angenommen. In Bezug auf die Zukunft schwindet die Angst vor dem Ungewissen. Glück wird hier als ein Zustand definiert, in dem alle quälenden Fragen verstummen und man einfach nur existiert.

Besonders eindrücklich ist die Metapher des in den Sand gemalten Bildes, das von einer Welle fortgetragen wird. Sie zeigt einen positiven Umgang mit der Vergänglichkeit: Indem die Welle die „Idee von uns“ mitnimmt, entzieht sie diese dem Zugriff anderer und bewahrt sie in ihrer Reinheit, anstatt sie „verderben“ zu lassen. Der Text feiert den seltenen, kostbaren Moment, in dem der Mensch mit sich und der Welt im Reinen ist. Es geht um das Loslassen von Zweifeln und das Finden von Glück in der absoluten Gegenwart.

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https://music.apple.com/de/song/einverstanden/489585967

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Gas soll jetzt grün sein und das Gras schon bald gelb

Seh ich noch richtig
In dieser seltsamen Welt?
Gas soll jetzt grün sein
Und das Gras schon bald gelb

Kann dir kein Mensch erklären
Warum leere Flugzeuge fliegen
Die letzten Jahre, wen wundert′s
Waren die heißesten sieben

Warum man Öl, Gas und Kohle
Weiter subventioniert
Mit elf Millionen pro Minute
Wer bitte soll das kapieren?

Mit heiteren Mienen
Vertrösten sie uns
Wer vermisst auch schon Bienen
Solang die Wirtschaft noch brummt?

Doch von dem, was wir schützen
Ist sogar ein Tier dabei
Lebt auf dem Land und in Flüssen
Nennt sich „Leopard 2“

Resignieren kann jeder
Oder Lieder davon singen
Aber was kann Perspektive?
Und wer kann Hoffnung bringen?

Das ist nicht nur eine Phase
Es ist die Frage unsrer Zeit
Und die Antwort ist die Straße
Sie ruft laut: „Lützerath bleibt!“

Ihr wollt die Wirtschaft entfesseln
Und legt Menschen in Ketten
Nur wenn man das umdreht
Wär unsre Welt noch zu retten

Verhindert den Schaden
Christian Lindner den Schmerz
Während wir im Überfluss baden
Ertrinken Menschen im Meer

Menschenwürde im Konjunktiv
Ist das, wonach wir streben
Der globalen Erwärmung eine
Soziale Eiszeit entgegen, ich

Schreib Lieder voller Zynismus
Und ich hab leider Pech, denn
Kritik am Kapitalismus
Verkauft sich sehr schlecht

Doch resignieren kann jeder
Oder Lieder davon singen
Doch wenn alte Perspektiven
Uns um unsre Hoffnung bringen

Ist dann noch Zeit für leere Phrasen
Und dafür, dass noch jemand schreibt?
Wär es nicht Zeit, dass diese Frage
Uns alle auf die Straßen treibt?

Ja, resignieren kann jeder
Lass uns lieber davon singen
Lass uns um Perspektiven
Und um jede Hoffnung ringen

Komm, wir gehen auf die Straßen
Dann läuft die Zeit nicht mehr allein
Wir alle teilen eine Frage
Komm, lass uns Teil der Antwort sein

Seh ich noch richtig
In dieser seltsamen Welt?
Gas soll jetzt grün sein
Und das Gras schon bald gelb

Der Song „grasgelb“ von Enno Bunger, veröffentlicht am 19.01.2024 auf dem Album „Der beste Verlierer“ ist ein gesellschaftskritischer Protestsong, der sich intensiv mit der Klimakrise, politischen Widersprüchen und systemischer Ungerechtigkeit auseinandersetzt. Der Text prangert die Widersprüche moderner Politik an. Er thematisiert, dass fossile Brennstoffe trotz Klimawandel massiv subventioniert werden („elf Millionen pro Minute“), während ökologische Symbole (wie das „Grüne Gas“) als Etikettenschwindel dargestellt werden. Besonders bissig ist der Vergleich des Naturschutzes mit dem Militär: Während Bienen sterben, scheint der „Schutz“ von Panzern (Leopard 2) Priorität zu haben.

Der Autor verbindet ökologische Zerstörung mit sozialer Ungerechtigkeit. Er stellt die „globale Erwärmung“ einer „sozialen Eiszeit“ gegenüber. Dabei wird der Kontrast zwischen westlichem Überfluss und dem Sterben von Geflüchteten im Mittelmeer scharf kritisiert. Namentlich genannte Politiker (wie Christian Lindner) dienen dabei als Symbole für eine Wirtschaftspolitik, die Profit über Menschenleben und Klimaschutz stellt. Der Text reflektiert die Schwierigkeit, gegen das System aufzubegehren. Der Künstler gibt zu, dass Kritik am Kapitalismus sich „schlecht verkauft“, und beschreibt ein Gefühl der Ohnmacht angesichts einer Welt, in der die Wirtschaft „brummen“ muss, egal zu welchem Preis.

Das zentrale Motiv des Liedes ist die Überwindung der Resignation. Der Text gipfelt in einem klaren Appell zum Widerstand auf der Straße. Mit dem Slogan „Lützerath bleibt!“ bezieht sich der Song konkret auf die Klimaproteste im rheinischen Braunkohlerevier. Die Kernaussage lautet: Reden und Singen reichen nicht mehr aus; die Antwort auf die Krisen unserer Zeit ist der aktive, gemeinschaftliche Protest. Der Song ist ein flammendes Plädoyer gegen das „Weiter-so“ der aktuellen Politik. Er fordert dazu auf, die Rolle des passiven Beobachters zu verlassen und Teil einer Bewegung zu werden, die Mensch und Natur vor wirtschaftliche Interessen stellt.

https://link.deezer.com/s/32c2V0cjDu8nbh2rhDpPB

https://music.apple.com/de/song/grasgelb-live-bei-tv-noir/1783346022

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Ich schaue zu, wie sich der Sonnenschein langsam im Meer versinkt.

In dem Song „Full moon“ von Tiwayo, veröffentlicht am 18.01.2019 auf dem Album „The gypsy soul of Tiwayo“, geht es um die sehnsuchtsvolle Suche nach innerer Befreiung, die durch die mystische Kraft des Vollmonds ausgelöst wird.

Der Song beginnt mit der Beobachtung eines Sonnenuntergangs. Dieser Übergang vom Tag zur Nacht markiert den Wechsel von der rationalen Welt hin zu einem Zustand, den der Sänger selbst nicht mit Theorien erklären kann. Es herrscht eine fast schon tranceartige Stimmung. Der Vollmond steht im Zentrum des Textes. Er wirkt als eine Art spirituelle Kraft, die den Protagonisten in Bewegung versetzt. Der Mond ist hier nicht nur ein Himmelskörper, sondern ein Symbol für Veränderung und Erwachen.

Das lyrische Ich fleht den Mond an, es zu befreien und seine „Ketten zu sprengen“. Dies deutet darauf hin, dass sich die Person zuvor gefangen, eingeengt oder ziellos gefühlt hat. Der Mondbesuch bietet die Chance, diese Lasten abzuwerfen. Am Ende steht das Versprechen, in dieser Verbindung zu verweilen. Der Protagonist hört auf zu wandern und entscheidet sich, bis zum Morgengrauen beim Licht des Mondes zu bleiben. Es ist ein Moment des Innehaltens und der totalen Hingabe an das befreiende Gefühl der Nacht.

Der Text beschreibt eine spirituelle Katharsis. Die Dunkelheit und der Vollmond werden nicht als bedrohlich, sondern als erlösend dargestellt – als Chance, dem Alltag zu entfliehen und wahre innere Freiheit zu finden.

https://www.deezer.com/en/track/590734202

https://music.apple.com/at/song/full-moon/1444067179

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